La Sala Morone del Convento di San Bernardino a Verona ospita “Rosa”, la mostra personale di Luca Trevisani, curata da Luca Cerizza. L’esposizione, allestita dal 9 al 22 ottobre 2026 in concomitanza con la ventunesima edizione di ArtVerona, propone un confronto tra la compostezza delle figure sacre e la natura instabile e organica della materia. Il progetto non si configura come una provocazione esplicita, ma come un’indagine sulle diverse concezioni del corpo e della materia, interrogando la presunta stabilità delle forme e il confine tra naturale e artificiale. Le opere di Trevisani riportano l’attenzione sulla dimensione fisica dell’esistenza, sulla fragilità e sui processi di trasformazione che investono ogni organismo.
Dialogo con la storia e la materia
Il contesto espositivo è un elemento centrale dell’allestimento. La Sala Morone è decorata dagli affreschi realizzati tra il 1494 e il 1503 da Domenico Morone e dal figlio Francesco, che popolano le pareti di figure sacre. Trevisani sceglie di instaurare con queste opere un rapporto basato su tensioni e corrispondenze, che l’artista stesso descrive non come un dialogo diretto, ma come una “dolce provocazione reciproca”. La mostra riunisce oltre venti opere create nell’arco di circa vent’anni, selezionate per far emergere connessioni meno immediate all’interno della ricerca dell’artista, evitando di concentrarsi sui lavori più noti. Se gli affreschi rappresentano corpi inseriti in un immaginario di trascendenza, le sculture e gli oggetti di Trevisani focalizzano l’attenzione sulla materialità e sui processi di mutamento.
La vita della materia: trasformazione e conoscenza
L’allestimento è unificato da un lungo plinto dipinto di rosa che attraversa la sala, sul quale sono distribuite opere realizzate con materiali e tecniche diverse. Questo crea una sorta di “gabinetto di curiosità contemporaneo”, dove le forme oscillano tra oggetto e organismo, costruzione e deterioramento. Tra gli elementi utilizzati dall’artista figurano piante, pane, ruggine e ossa animali, attraverso i quali Trevisani esplora una materia che reagisce all’ambiente, registra il trascorrere del tempo e modifica progressivamente il proprio aspetto. Il carattere più perturbante dell’esposizione emerge proprio in questa dimensione: l’informe, il fragile o l’orrido non sono impiegati per una provocazione fine a sé stessa, ma per ricondurre la scultura alla concretezza dei processi naturali, liberandola dall’idea di un oggetto definitivo e immutabile.
Il confronto con i santi affrescati acquista così una particolare intensità. Mentre l’immagine sacra tende a conservare la figura in una dimensione simbolica che trascende il tempo, le opere di Trevisani rendono visibile ciò che sfugge al controllo della forma. Non si tratta di una semplice contrapposizione tra spiritualità e corporeità, ma di un’indagine su come la materia possa veicolare conoscenza, anche attraverso la fragilità, l’alterazione e la perdita. L’artista stesso ha evidenziato un’evoluzione nella sua ricerca: se in passato l’interesse era rivolto alla crisi della scultura e alla definizione dei suoi confini, oggi l’attenzione si concentra sulla vita stessa dei materiali. “Vent’anni fa interrogavo la forma; oggi interrogo la vita della materia”, ha dichiarato Trevisani. “Rosa” mette in relazione diversi momenti della sua ricerca con le figure sacre di Morone, evidenziando una tensione tra permanenza e trasformazione, tra l’immagine ideale del corpo e la sua irriducibile materialità. In questo scarto, la materia si rivela strumento di conoscenza, mostrando non ciò che rimane immutato, ma ciò che, continuamente, diventa.
